블랙 뮤직
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1. 개요
블랙 뮤직은 아프리카, 유럽, 아메리카 원주민 문화가 혼합되어 형성된 미국 고유의 음악 현상이다. 노예제 기간 동안 아프리카 서부 해안에서 아메리카 대륙으로 강제 이주된 흑인들의 음악적 유산은 들판 외침, 노동요, 영가 등 다양한 형태로 나타났으며, 19세기 민스트럴 쇼와 흑인 영가의 확산을 통해 주류 음악에 영향을 미치기 시작했다. 20세기 초에는 래그타임, 블루스, 재즈가 등장했고, 중반에는 로큰롤과 소울이 발전했다. 1970년대 이후 펑크, 힙합 등 다양한 장르가 나타났으며, 컨템포러리 R&B, 네오 소울, 힙합이 지속적으로 발전하며 현재에 이르렀다. 블랙 뮤직은 시민권 운동에 영감을 주었으며, 경제적으로도 음반 산업과 광고 등 다양한 분야에 영향을 미쳤다. 또한, 재즈와 힙합을 중심으로 아프리카와 아시아 등 전 세계 음악에 영향을 미치고 있다.
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| 블랙 뮤직 | |
|---|---|
| 음악적 특징 | |
| 기원 | 아프리카 유럽 |
| 문화적 기원 | 17세기 아프리카계 미국인 공동체 |
| 일반적인 악기 | 보컬 기타 베이스 드럼 피아노 색소폰 트럼펫 |
| 파생 장르 | 블루스 재즈 가스펠 음악 리듬 앤 블루스 로큰롤 컨트리 음악 소울 음악 펑크 힙합 음악 하우스 음악 |
| 역사적 맥락 | |
| 기원 및 발전 | 아프리카계 미국인들의 노예 제도 시기부터 형성, 다양한 문화적 요소 융합 |
| 초기 형태 | 노동요 영가 블루스 |
| 20세기 발전 | 재즈 가스펠 리듬 앤 블루스 로큰롤 |
| 현대 음악 | 소울 펑크 힙합 하우스 |
| 주요 장르 | |
| 블루스 | 아프리카계 미국인 음악의 근간, 감정을 표현하는 특징 |
| 재즈 | 즉흥 연주와 독특한 리듬 강조 |
| 가스펠 | 종교적인 신념과 감정을 담은 음악 |
| 리듬 앤 블루스 | 블루스와 재즈의 영향, 대중적인 음악 스타일 |
| 로큰롤 | 리듬 앤 블루스에서 파생, 젊은 세대의 문화 상징 |
| 소울 | 강렬한 감정 표현과 보컬 스타일 특징 |
| 펑크 | 소울에서 파생, 리듬과 베이스 강조 |
| 힙합 | 랩, 디제잉, 샘플링 등의 요소 결합 |
| 하우스 | 전자 음악 기반, 클럽 문화와 연관 |
| 사회적 의미 | |
| 문화적 정체성 | 아프리카계 미국인들의 역사와 경험을 반영 |
| 저항과 해방 | 사회적 불평등에 대한 저항 정신 표현 |
| 문화 교류 | 다양한 문화에 영향, 새로운 음악 스타일 창조 |
| 주요 인물 | |
| 블루스 | 로버트 존슨 베시 스미스 머디 워터스 |
| 재즈 | 루이 암스트롱 엘라 피츠제럴드 마일스 데이비스 |
| 가스펠 | 마할리아 잭슨 클라라 워드 시스터 로제타 사프 |
| 리듬 앤 블루스 | 척 베리 리틀 리처드 레이 찰스 |
| 로큰롤 | 엘비스 프레슬리 척 베리 리틀 리처드 |
| 소울 | 제임스 브라운 아레사 프랭클린 마빈 게이 |
| 펑크 | 조지 클린턴 슬라이 스톤 프린스 |
| 힙합 | DJ 쿨 허크 그랜드마스터 플래시 런 디엠씨 |
| 참고자료 | |
| 관련 링크 | https://www.si.edu/ |
2. 역사적 특징
블랙 뮤직은 아프리카 서부 해안 지역에서 노예로 강제 이주된 아프리카인들의 음악적 전통과 유럽의 악기, 그리고 재산 노예제라는 특수한 역사적 환경 속에서 탄생하고 발전했다.[10][11][12][13] 아프리카 음악 고유의 특징인 콜 앤드 리스폰스, 즉흥 연주, 블루 노트, 폴리리듬 등은 블랙 뮤직의 중요한 음악적 토대를 이루었다.[14] 또한 강한 비트감과 그루브는 블랙 뮤직을 특징짓는 핵심 요소이다.
블랙 뮤직은 크게 흑인 영가나 가스펠과 같은 종교 음악과 노예제 시대의 플랜테이션 송(노동요)[118]에서 현대 힙합에 이르는 세속 음악으로 나눌 수 있다. 그러나 이러한 구분은 편의적인 것으로, 실제로는 두 영역이 서로 깊은 영향을 주고받으며 콜 앤드 리스폰스처럼 경계 없이 이어져 발전해왔다.
블랙 뮤직은 블루스[110], 재즈[114], 소울[112], R&B[113], 펑크[115], 힙합[116] 등 오늘날 세계적으로 사랑받는 수많은 음악 장르를 탄생시켰다. 뿐만 아니라 팝, 록, 컨트리 등 다른 장르에도 지대한 영향을 미치며 20세기 이후 현대 대중음악의 중요한 뿌리가 되었다.[117]
2. 1. 아프리카 음악의 영향
대부분의 노예들은 아프리카 서부 해안 지역에서 아메리카 대륙으로 강제로 이주되었다.[10] 이 지역은 오늘날의 나이지리아, 가나, 코트디부아르, 세네갈, 감비아 및 시에라리온 일부를 포함한다.[10] 이 지역의 고유한 화성과 리듬 특징은 유럽에서 전래된 악기, 그리고 흑인들에게 강요된 재산 노예제라는 비극적인 역사와 함께 블랙 뮤직의 형성에 중요한 영향을 미쳤다.[11][12][13]
아프리카계 미국 음악을 특징짓는 많은 요소들은 아프리카 음악에 그 뿌리를 두고 있다. 여기에는 들판 외침, 비트박스, 노동요, 스포큰 워드, 랩, 스캣, 콜 앤드 리스폰스, 보컬리티 (으르렁거리는 소리, 삽입구, 가성, 멜리스마, 목소리를 이용한 리듬 표현 등 특수한 발성 효과), 즉흥 연주, 블루 노트, 폴리리듬 (싱코페이션, 응집, 긴장감 조성, 즉흥성, 타악기 사용, 스윙 노트), 다양한 텍스처(대구법, 동음악, 다성 음악, 이질 음악) 및 화성 체계 (고유한 코드 진행; 복잡한 다성부 화음, 영가, 두왑, 이발소 음악 화성 등)가 포함된다.[14]
미국의 작곡가 올리 윌슨은 아프리카 음악에서 공통적으로 나타나는 "이질적인 사운드 이상(heterogeneous sound ideal)"[15]이라는 개념을 통해 아프리카 음악의 특징을 설명했다. 이는 음색, 음고, 음량, 음 길이를 독특하게 사용하고 음악을 연주할 때 신체의 움직임을 통합하는 방식을 포함한다. 그의 연구는 또한 콜 앤드 리스폰스 형식의 중요성과 음악에 대한 만족 또는 불만을 표현하기 위해 청중이 즉흥적으로 소리를 내는 것(삽입)의 역할을 강조했다.[16] 이러한 특징들은 다른 많은 음악 유형에서도 발견되지만, 특히 블랙 뮤직에서 두드러지게 나타난다.
한편, 백인들은 때때로 흑인 노예들에게 바이올린과 같은 서양 악기를 가르치기도 했다.[17]
백인 식민주의자들은 드럼 연주나 춤과 같은 아프리카 토착 종교 의식을 우상 숭배로 간주하고 억압했기 때문에, 노예들은 비밀리에 음악이 포함된 종교 의식을 거행해야 했다. 18세기 동안 '칭찬의 집(praise house)'이나 '브러시 아버(brush arbor)' 회의와 같은 비공식적인 모임에서 노예들은 환호성을 지르고, 노래하며, 손뼉을 치고 원을 그리며 춤을 추는 등 음악을 통해 공동체 의식을 다지고 종교적 신념을 표현했다. 때로는 참가자들이 깊은 황홀경에 빠지기도 했다.[18] 이러한 배경 속에서 강한 비트감과 그루브는 블랙 뮤직의 중요한 특징으로 자리 잡았다.
블랙 뮤직은 블루스[110], 가스펠[111], 소울[112], R&B[113], 재즈[114], 펑크[115], 힙합[116] 등 오늘날 전 세계적으로 사랑받는 다양한 음악 장르를 탄생시켰다. 또한 팝, 록, 컨트리 등 다른 장르에도 큰 영향을 미치며 20세기 이후 등장한 많은 대중음악의 근간이 되었다.[117]
블랙 뮤직은 크게 흑인 영가나 가스펠과 같은 종교 음악(sacred music)과, 노예제 시대의 플랜테이션 송[118]에서 현대 힙합에 이르기까지 이어지는 세속 음악(secular music)으로 나누어 볼 수 있다. 하지만 이러한 분류는 편의상 구분일 뿐, 실제로는 두 영역이 서로 영향을 주고받으며 콜 앤드 리스폰스처럼 경계 없이 이어져 있다.
2. 2. 노예제와 흑인 영가
대부분의 노예들은 아프리카 서부 해안(오늘날의 나이지리아, 가나, 코트디부아르, 세네갈, 감비아, 시에라리온 일부 포함)에서 아메리카 대륙으로 건너왔다.[10] 이 지역의 화성 및 리듬 특징, 유럽 악기, 그리고 흑인들에게 강요된 재산 노예제는 흑인 음악의 형성에 영향을 미쳤다.[11][12][13]
백인 식민주의자들은 드럼 연주와 춤 같은 아프리카 토착 종교 관습을 금기시했으나, 노예들은 사적인 공간에서 음악과 함께 종교 의식을 거행했다. 18세기 동안, '칭찬의 집'(en: praise house)과 같은 비공식적 모임에서는 환호, 노래, 손뼉 치며 원을 그리는 춤 등이 포함된 노래와 찬트가 불렸으며, 때로는 참가자들이 종교적 황홀경에 빠지기도 했다.[18]
18세기 후반, 기독교로 개종한 남부 노예들 사이에서 영가가 만들어지기 시작했다. 노예들은 기독교를 자신들의 상황에 맞게 재해석하여, 노예 생활의 고통과 자유에 대한 희망을 주제로 노래했다.[19] 영가는 주로 농장 밭에서 일하면서 집단으로 불렸으며, '보이지 않는 교회'(en: invisible church)와 일반 흑인 교회에서 발전했다. 찬송가, 멜로디, 리듬은 서아프리카 음악과 유사성을 보였고, 노예와 자유 흑인들은 자신들만의 가사와 곡을 창작했다.[19]
노예 시대의 영가는 '노예 샤우트 송'(en: slave shout songs)이라고도 불리며, 오늘날에도 걸라 지치족 등 아프리카계 미국인 공동체에서 불리고 있다. 이 노래들은 노예 소유주 몰래 언더그라운드 레일로드를 통한 탈출 계획이나 농장 내 소통을 위한 암호화된 메시지로 사용되기도 했다.[20] 음악학자 에릭 션 크로포드는 걸라 음악이 모든 미국 음악 장르에 영향을 미쳤다고 주장하며, 특히 굴절된 음, 싱코페이션 리듬, 즉흥성이 가스펠, 컨트리, 블루스, 재즈, 힙합 등에 영향을 주었다고 설명했다.[21][22] 학자 르론다 S. 매니골트-브라이언트는 걸라 영가가 저지대 박수 사용과 구절 반복을 통해 과거 전통과 연결되며 조상, 공동체, 신성한 영적 유대감을 형성하는 신성한 음악이라고 설명했다.[23]
노예들은 드럼을 사용하여 탈출 메시지를 전달하기도 했다. 서아프리카에서 드럼은 의사소통, 축하, 영적 의식에 중요하게 사용되었으며, 미국 내 노예들도 농장 간 암호화된 메시지를 보내기 위해 드럼을 제작하고 사용했다. 그러나 1739년 사우스캐롤라이나에서 발생한 스토노 반란 이후, 노예들의 드럼 제작과 사용은 금지되었다.[24] 드럼 금지 이후, 노예들은 무릎, 허벅지, 팔 등 신체 부위를 두드려 리듬을 만드는 '패틴 주바(en: Pattin' Juba)' 방식을 발전시켰다.[25][26] 주바 댄스는 원래 콩고 출신 노예들이 사우스캐롤라이나 찰스턴으로 가져온 것으로, 리듬 악기가 금지된 상황에서 아프리카계 미국인들의 농장 댄스로 자리 잡았다.[27][28]
민속 영가는 종종 활기찬 분위기를 띠었으며, 노예들은 노래에 춤(훗날 '샤우트'(en: shout)로 알려짐)과 같은 신체 움직임을 더했다. 그들은 기존 시편이나 찬송가의 멜로디와 리듬을 변형하여 템포를 빠르게 하고, 반복되는 후렴구를 추가했으며, 가사를 영어와 아프리카 언어가 혼합된 새로운 내용으로 바꾸기도 했다. 구전으로 전승된 민속 영가는 3세기 이상 아프리카계 미국인들의 종교적, 문화적, 사회적, 정치적 삶에서 중요한 역할을 했다.[29]
민속 영가는 즉흥적이고 반복적인 스타일로 공연되었다. 가장 일반적인 구조는 독창자와 다른 가수들이 주고받는 콜 앤드 리스폰스 형식("불어라, 가브리엘")과 반복되는 코러스("그는 죽음에서 부활하셨네")였다. 독창자는 주로 즉흥적으로 구절을 노래하면 다른 가수들이 같은 구절을 반복하여 화답했다. 노래 해석에는 신음, 외침, 변화하는 음색 등이 포함되었고, 손뼉 치기와 발 구르기가 동반되기도 했다. 강한 비트감과 그루브감이 특징적이다. 스미소니언 협회 민속 기록 보관소에는 이러한 아프리카계 미국 노예 샤우트 송의 샘플들이 보존되어 있다.[30]
3. 역사
강한 비트감과 그루브감이 특징이다.
블루스[110], 가스펠[111], 소울[112], R&B[113], 재즈[114], 펑크[115], 힙합[116] 등 현재 세계적으로 다양한 형태로 전개되는 장르를 낳았다. 또한 팝과 록, 컨트리 등에도 영향을 주어 20세기에 탄생한 많은 대중음악의 근원이 되었다.[117]
크게 흑인 영가나 가스펠 등의 종교 음악(sacred music)과 노예제 시대의 노동요(work song)[118]에서 현대 힙합까지 이어지는 세속 음악(secular music)으로 나눌 수 있다. 하지만 이러한 분류는 편의적인 구분일 뿐이며, 실제로는 모든 블랙 뮤직이 서로 영향을 주고받으며 콜 앤드 리스폰스처럼 경계 없이 이어져 있다.
3. 1. 19세기: 민스트럴 쇼와 흑인 영가의 확산
아프리카계 미국인이 주류 미국 음악에 미친 영향은 19세기에 블랙페이스 민스트럴 쇼가 등장하면서 시작되었다. 아프리카에서 유래한 밴조는 인기 있는 악기가 되었고, 아프리카에서 파생된 리듬은 스티븐 포스터와 다른 작곡가들이 만든 대중가요에 통합되었다. 시간이 지나면서 밴조의 구조는 평평한 지판과 같은 몇몇 유럽 전통을 받아들였다. 일부 밴조는 서아프리카의 3현 버전과 달리 5개의 현을 가지고 있었다. 이로 인해 미국에서 여러 종류의 밴조가 만들어졌다.[31]
1830년대에 제2차 대각성 운동으로 특히 아프리카계 미국인들 사이에서 기독교 부흥이 일어났다. 노예가 된 아프리카계 미국인들은 전통적인 노동요를 바탕으로 다양한 영가 및 기타 기독교 음악을 창작하고 연주했다. 이러한 노래 중 일부는 노예 소유주에 대한 전복적인 암호 메시지나 탈출 신호였다. 예를 들어, 해리엇 터브먼은 어머니와 밭에서 일하는 다른 노예들에게 지하철도를 통해 탈출한다는 것을 알리기 위해 암호 메시지를 불렀다. 터브먼은 이렇게 노래했다. "나는 당신을 떠나게 되어 유감입니다. 안녕, 오 안녕. 그러나 아침에 만나요, 안녕, 오 안녕, 아침에 만나요, 나는 약속된 땅으로 향하고, 요르단강 건너편으로, 약속된 땅으로 향합니다."[32][33][34]
남북 전쟁 이후 아프리카계 미국인 음악의 확산은 계속되었다. 피스크 주빌리 싱어스는 1871년에 처음으로 순회 공연을 했다. 잭 딜레이니를 비롯한 아티스트들은 미국의 중동부 지역에서 전쟁 후 아프리카계 미국인 음악의 혁신에 기여했다. 그 후 몇 년 동안 전문적인 "주빌리" 단체들이 결성되어 순회 공연을 했다. 최초의 흑인 뮤지컬 코미디 극단인 하이얼스 시스터스 코믹 오페라 컴퍼니가 1876년에 조직되었다.[35] 19세기 후반에는 이발소가 종종 남성들이 모이는 커뮤니티 센터 역할을 했다. 이발소 콰르텟은 아프리카계 미국인 남성들이 이발소에서 어울리면서 시작되었는데, 그들은 차례를 기다리는 동안 영가, 민요, 대중가요를 부르며 화음을 맞췄다. 이것은 새로운 스타일의 무반주 4성부, 밀착 화음 노래를 만들어냈다. 나중에 백인 민스트럴 가수들이 이 스타일을 훔쳤고, 초기 녹음 산업 시대에 그들의 공연이 녹음되어 판매되었다. 19세기 말에 이르러 아프리카계 미국인 음악은 주류 미국 문화의 필수적인 부분이 되었다.
3. 2. 20세기 초: 래그타임, 블루스, 재즈의 탄생
19세기 말, 밥 콜과 빌리 존슨의 작품으로 아프리카계 미국인이 제작한 최초의 뮤지컬이 1898년 브로드웨이 무대에 올랐다. 1890년에는 흑인 음악가 버트 윌리엄스와 조지 워커가 브로드웨이 제작 음악을 담아 첫 녹음을 했다. 시어도어 드러리는 1900년 드러리 오페라단을 설립하여 1908년까지 운영하며 오페라 분야에서 흑인 예술가들을 양성하는 데 기여했다. 1911년에는 스콧 조플린의 래그타임-포크 오페라 트리모니샤가 공연되었다.[36]
20세기 초에는 블루스와 재즈의 인기가 높아졌다. 이 시기 아프리카계 미국인의 음악은 음반 업계에서 '인종 음악'(race music)으로 분류되기도 했다.[37] 오케 레코드의 음악 감독 랄프 피어가 이러한 분류를 사용했지만, 당시 '인종'이라는 용어는 아프리카계 미국인 사회 내에서 공동체를 지칭하고 평등권을 위한 투쟁을 상징하는 의미로도 사용되었다.[38] 스콧 조플린과 같은 래그타임 연주자들이 인기를 얻었으며, 이들 중 일부는 할렘 르네상스 및 초기 시민권 운동과 연관되기도 했다. 백인 및 라틴계 연주자들도 아프리카계 미국 음악을 연주했지만, 때로는 흑인 음악이 백인 시장을 겨냥하여 변형되거나 희석되는 경향이 있었고, 이 과정에서 스윙 음악과 같은 장르가 파생되기도 했다.
클래식 음악 분야에서도 아프리카계 미국인의 활동이 두드러졌다. 초기에는 주요 교향악단에서 배제되었으나, 오벌린 음악원, 미국 국립 음악원, 뉴잉글랜드 음악원 등에서 교육받을 기회가 열렸다.[39] 시카고, 뉴올리언스, 필라델피아 등 주요 도시에서는 흑인 교향악단이 결성되었다. 1906년 필라델피아에서는 최초로 법인화된 흑인 오케스트라가 설립되었고,[40] 1910년대 초 뉴욕에는 색채 음악 정착 학교와 마틴-스미스 음악학교 같은 흑인 음악 교육 기관이 세워졌다.[41]
뉴욕의 클레프 클럽 오케스트라는 색채 음악 정착 학교의 후원을 받았으며, 1912년부터 1915년까지 카네기 홀에서 흑인과 백인 관객을 대상으로 정기 연주회를 열었다. 제임스 리스 유로프와 윌리엄 H. 타이어스가 지휘한 이 오케스트라는 밴조, 만돌린 등을 포함한 독특한 편성이 특징이었고, 해리 T. 버레이, 윌 매리언 쿡 등 흑인 작곡가들의 작품을 연주했다. 시카고의 윌리엄 해크니의 '올-컬러드 작곡가' 콘서트나 애틀랜타 유색인 음악 축제 등 다른 연례 흑인 음악 행사들도 열렸다.[42]
1921년에는 노블 시슬과 유비 블레이크의 ''셔플 어롱''을 통해 흑인 뮤지컬이 브로드웨이로 복귀했다. 1927년 카네기 홀에서는 재즈, 영가, W. C. 핸디 오케스트라와 주빌리 싱어스의 교향곡 등을 아우르는 흑인 음악 콘서트가 열렸다. 흑인 배우들이 출연한 최초의 주요 영화 뮤지컬은 킹 비더 감독의 ''할렐루야''(1929)였다. 또한 폴 로베슨을 위해 역할이 쓰인 뮤지컬 ''쇼 보트''나 ''포기와 베스'', 버질 톰슨의 ''세 장면의 네 성인''(1934) 같은 흑인 오페라에도 아프리카계 미국인 연주자들이 출연했다.
1900년부터 1930년까지 흑인 미국 음악은 래그타임, 블루스, 재즈, 가스펠 등 다양한 장르에서 획기적인 발전을 이루며 현대 대중음악의 토대를 마련하고 미국 문화 전반에 깊은 영향을 미쳤다. 할렘 르네상스는 이러한 흐름을 가속화하며 흑인 예술가들의 재능을 선보이고 아프리카계 미국인의 문화유산을 기념하는 중요한 계기가 되었다. 체계적인 인종차별과 제한된 기회 속에서도 흑인 예술가들의 창의성과 회복력은 음악 산업의 혁신을 이끌었다.
주요 교향악단이 연주한 최초의 흑인 작곡가 교향곡으로는 윌리엄 그랜트 스틸의 아프로-아메리카 교향곡(1930, 뉴욕 필하모닉)이 있다. 플로렌스 프라이스의 교향곡 E단조는 1933년 시카고 심포니 오케스트라가 연주했고,[43] 윌리엄 도슨의 ''흑인 민속 교향곡''은 1934년 필라델피아 오케스트라가 연주했다.[44]
3. 3. 20세기 중반: 로큰롤과 소울의 등장
빌보드는 1942년 10월 "할렘 히트 퍼레이드"라는 이름으로 아프리카계 미국인 음악을 위한 별도의 차트를 만들기 시작했다. 이 차트는 1945년 "레이스 레코드", 1949년에는 "리듬 앤 블루스 레코드"로 명칭이 변경되었다.[45][46]
1940년대에는 아프리카계 미국인 노래의 커버 버전이 흔했으며, 종종 원곡보다 커버 버전이 주류 차트에서 더 높은 순위를 차지하기도 했다. 1955년, 프로모터 서먼 루스는 가스펠 그룹들을 설득하여 아폴로 극장과 같은 세속적인 장소에서 공연하도록 했다. 이 공연은 성공을 거두었고, 전국을 순회하는 가스펠 캐러밴 조직으로 이어졌다. 한편, 재즈는 스윙에서 벗어나 더욱 복잡한 편곡과 즉흥 연주를 강조하는 방향으로 발전했다. 이는 비밥, 마일스 데이비스의 모달 재즈, 그리고 오넷 콜먼과 존 콜트레인의 프리 재즈로 이어졌다.
같은 시기, 헨리 루이스와 같은 일부 아프리카계 미국인 음악가들은 클래식 음악계에서 인종적 장벽을 넘어서려는 노력을 기울였다. 루이스는 1968년 미국 주요 교향악단의 첫 흑인 상임 지휘자가 되는 등[48][49][50][51] 클래식 분야에서도 중요한 성과를 이루었다.
1940년대와 1950년대 아프리카계 미국인 음악가들은 강한 백비트를 특징으로 하는 로큰롤로 리듬 앤 블루스(R&B)를 발전시켰다. 루이 조던과 와이노니 해리스 등이 이 스타일의 초기 주자였다. '로큰롤'이라는 용어는 본래 R&B 음악에서 강한 성적 함의를 내포했으나, DJ 앨런 프리드가 1950년대 중반 라디오에서 사용하면서 춤을 추기 위한 음악이라는 의미로 순화되어 대중화되었다.[52] 많은 자료들은 R&B가 로큰롤에 미친 강력한 영향을 지적하며, 두 용어가 1950년대 후반까지 혼용되기도 했다고 본다.[53] 패츠 도미노는 "지금 로큰롤이라고 부르는 것은 내가 뉴올리언스에서 15년간 연주해 온 리듬 앤 블루스"라고 말하며[54] 로큰롤이 R&B의 연장선상에 있음을 시사했다. ''롤링 스톤'' 역시 1940년대 후반과 1950년대 초반의 R&B가 1950년대 모든 로큰롤 음악가들에게 근본적인 영향을 미쳤다고 평가했다.[55]
로큰롤은 빌 헤일리나 엘비스 프레슬리 같은 백인 음악가들의 음반을 통해 상업적으로 큰 성공을 거두었는데, 이들은 흑인 로큰롤과 로커빌리의 요소를 결합한 음악을 선보였다. 로큰롤 음악이 백인 아티스트들과 더 연관되기도 했지만, 척 베리와 보 디들리 같은 흑인 연주자들 역시 중요한 상업적 성공을 거두었다. 시스터 로제타 서프는 가스펠과 스윙을 넘나드는 독특한 스타일로 아레사 프랭클린, 척 베리 등 후대 음악가들에게 큰 영향을 미친 선구자로 평가받는다.[47] 엘비스 프레슬리 역시 패츠 도미노를 "진짜 로큰롤의 왕"이라 칭하며 흑인 음악가들에게 받은 영향을 인정했다.[56][57]
1950년대 중반에는 많은 R&B 곡들이 백인 아티스트들에 의해 커버되었고, 이 커버 버전들이 주류 라디오 방송에서 더 많이 노출되는 경향이 있었다. 예를 들어 리틀 리처드의 'Tutti Frutti'는 엘비스 프레슬리와 팻 분에 의해 빠르게 커버되었다. R&B 히트곡이 팝 차트에 진입하는 비율은 1956년 76%에서 1958년 94%까지 증가하며 R&B가 주류 시장으로 편입되는 현상을 보였다.[58]
1950년대는 블루스가 다시금 미국과 영국에서 인기를 얻었으며, 두왑 역시 보컬 하모니와 단순한 악기 구성으로 주목받았다. 이와 동시에 가스펠 음악에 뿌리를 둔 소울이 등장했다. 레이 찰스,[59] 재키 윌슨, 샘 쿡[60] 등이 소울 음악의 선구자로 꼽힌다. 소울 음악의 등장은 이후 서프 음악이나 The Angels, The Shangri-Las와 같은 걸 그룹의 유행에도 영향을 미쳤다. 1959년 행크 발라드의 "The Twist"는 1960년대 초반을 강타한 댄스 열풍을 일으켰다.[61]
1959년 베리 고디는 디트로이트에서 모타운 레코드를 설립했다. 모타운은 주로 아프리카계 미국인 아티스트들을 내세워 크로스오버 성공을 목표로 했으며, 팝적인 감각을 가미한 독특한 소울 음악을 선보였다. 초기 대표 아티스트로는 The Miracles, 마사 앤 더 반델라스, 마빈 게이, The Temptations, The Supremes 등이 있었다.[62] 아레사 프랭클린과 같은 흑인 여성 가수들도 1960년대에 크로스오버 스타로 부상했다.
영국에서는 브리티시 블루스가 인기를 얻었고, 이는 비틀즈나 롤링 스톤스 같은 브리티시 인베이전 밴드들을 통해 미국으로 역수입되었다. 이들은 블루스와 R&B에 기반한 팝 음악을 선보였다. 브리티시 인베이전은 일부 흑인 아티스트들을 미국 팝 차트에서 밀어내기도 했지만, 오티스 레딩, 윌슨 피켓, 아레사 프랭클린 및 모타운 소속 가수들은 여전히 성공을 이어갔다. 소울 음악은 제임스 브라운의 혁신을 통해 펑크로 발전해 나갔다.[63] 1961년에는 11세의 스티비 원더가 모타운과 계약하고 음반을 발표하며 음악 활동을 시작했다.[64]
1964년 시민권법 통과 이후 인종 차별이 완화되면서 더 많은 아프리카계 미국인 음악가들이 주류 음악계로 진출할 수 있는 발판이 마련되었다.
3. 4. 20세기 후반: 펑크, 힙합, 그리고 다양한 장르의 발전
1970년대에는 앨범 중심의 소울이 계속해서 인기를 얻었으며, 스모키 로빈슨과 같은 음악가들은 이를 콰이어트 스톰이라는 부드러운 장르로 발전시키는 데 기여했다. 펑크(Funk)는 두 가지 주요 흐름으로 발전했는데, 하나는 슬라이 앤 더 패밀리 스톤이 개척한 팝, 소울, 재즈, 베이스 음악이 혼합된 형태였고, 다른 하나는 조지 클린턴과 그의 P-Funk 앙상블이 대표하는 더욱 사이키델릭한 사운드였다. 디스코는 흑인 음악가들이 빠른 템포의 멜로디를 가진 소울 음악을 만들면서 탄생하고 발전했다. 아이작 헤이즈, 배리 화이트, 도나 서머와 같은 아티스트들이 디스코를 대중화하는 데 중요한 역할을 했고, 디스코는 주류 음악 시장에서 큰 성공을 거두었다.잭슨 5, 로버타 플랙, 테디 펜더그래스, 디온 워윅, 스티비 원더, 오제이스, 글래디스 나이트 & 더 핍스, 어스, 윈드 & 파이어를 포함한 일부 아프리카계 미국인 아티스트들은 다양한 인종의 팬들에게 사랑받으며 크로스오버적인 성공을 거두었다. 반면 당시 백인 청취자들은 컨트리 록, 싱어송라이터, 아레나 록, 소프트 록, 글램 록, 그리고 일부는 헤비 메탈과 펑크 록을 주로 선호하는 경향이 있었다.
1970년대에는 아프리카계 미국인들의 전통적인 말놀이 문화인 The Dozens에서 파생된, 라임을 활용한 유희적인 조롱이 1970년대 초반 '스트리트 자이브'로 발전했다. 이는 1970년대 후반 힙합 음악의 탄생에 중요한 영감을 제공했다. 와츠 프로페츠, 더 라스트 포에츠, 길 스콧-헤론, 멜빈 밴 피블스와 같은 스포큰 워드 아티스트들은 초기 힙합의 혁신가로 평가받는다. 특히 뉴욕 브롱스의 많은 젊은이들은 힙합을 통해 당시 소수 민족으로서 겪어야 했던 사회적 불공정과 어려움을 표현하는 중요한 수단으로 삼았다. 초기 파티에서 DJ들은 주로 펑크 음반을 틀었고, MC들은 춤추는 관객들에게 곡을 소개하는 역할을 했다. 시간이 흐르면서 DJ들은 음반에서 타악기 연주가 강조되는 부분(퍼커션 브레이크)을 분리하여 반복 재생하는 기술을 개발했고, 이를 통해 MC들이 리듬에 맞춰 라임과 가사를 얹어 랩을 할 수 있는, 춤추기 좋은 비트를 만들어냈다.[66] 힙합은 커티스 블로우와 런-DMC 같은 아티스트들의 활약을 통해 젊은 흑인 사회를 넘어 다문화적인 음악 운동으로 성장해 나갔다.
1980년대는 마이클 잭슨의 시대라고 해도 과언이 아니었다. 그의 앨범 ''Off the Wall''(1979), ''Bad''(1987), 그리고 역사상 가장 많이 팔린 앨범으로 기록된 ''Thriller''(1982)는 전 세계적으로 엄청난 성공을 거두었다. 마이클 잭슨의 성공은 프린스, 라이오넬 리치, 루터 밴드로스, 티나 터너, 휘트니 휴스턴, 자넷 잭슨(마이클 잭슨의 여동생) 등 다른 뛰어난 흑인 솔로 아티스트들이 주류 음악 시장에서 큰 성공을 거두는 발판을 마련해주었다. 이 시대에 유행했던 팝과 댄스 소울 음악은 1980년대 말 뉴 잭 스윙이라는 새로운 장르의 탄생에 직접적인 영향을 미쳤다.[67]
힙합은 미국 전역으로 확산되며 더욱 다양하게 분화했다. 테크노, 댄스, 마이애미 베이스, 포스트 디스코, 시카고 하우스, 로스앤젤레스의 하드코어 힙합, 워싱턴 D.C.의 고고 등 다양한 하위 장르가 이 시기에 발전했다. 이 중 마이애미 베이스는 주류 시장에서 어느 정도 성공을 거두었으나, 점차 미국 남동부 지역을 중심으로 소비되는 경향을 보였다. 시카고 하우스는 대학가와 클럽 씬(레이브 문화 등)에서 상당한 인기를 얻었다. 워싱턴 D.C.의 고고는 E.U.의 "Da Butt"(1988) 같은 곡으로 잠시 전국적인 주목을 받았지만, 대체로 지역적인 장르로 남았다. 시카고 하우스 사운드는 디트로이트 음악계에도 영향을 미쳐, 더욱 전자적이고 기계적인 사운드를 특징으로 하는 디트로이트 테크노, 애시드, 정글과 같은 장르를 탄생시켰다. 이러한 실험적이고 DJ 중심적인 사운드는 1970년대와 1980년대 뉴욕의 다인종적인 디스코 사운드와 결합하여 대도시의 대형 디스코텍에서 가장 인기 있는 음악 스타일 중 하나로 자리 잡았다. 특히 유럽에서는 이러한 종류의 일렉트로닉 댄스 뮤직이 북미 지역보다 더 열광적인 반응을 얻었다.
1986년경, 랩은 Run-D.M.C.의 앨범 ''Raising Hell''과 비스티 보이즈의 앨범 ''Licensed to Ill''을 통해 본격적으로 주류 음악계에 진입했다. 특히 ''Licensed to Ill''은 빌보드 앨범 차트에서 1위를 차지한 최초의 랩 앨범으로 기록되었으며, 백인 래퍼들이 활동할 수 있는 길을 열어주었다. 이 두 그룹은 랩과 록 음악을 성공적으로 결합하여 양쪽 장르의 팬들에게 모두 어필했다. 힙합은 초기의 뿌리에서 벗어나 골든 에이지 힙합 시대를 맞이하며 음악적으로나 상업적으로 크게 번성했다. 이 시기에는 Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, 퀸 라티파, 빅 대디 케인, Salt-N-Pepa와 같은 뛰어난 실력을 갖춘 아티스트들이 대거 등장하여 힙합 씬을 이끌었다. 힙합은 미국 내에서 폭발적인 인기를 얻었고, 1990년대 후반에는 전 세계적인 문화 현상으로 자리매김했다. 골든 에이지 시대는 1990년대 초반 갱스터 랩과 G-펑크가 새로운 주류로 부상하면서 점차 막을 내렸다. 이 시기에는 서부 해안(West Coast)의 닥터 드레, 스눕 독, 워렌 G, 아이스 큐브 등과 동부 해안(East Coast)의 노토리어스 B.I.G., 우탱 클랜, Mobb Deep 등이 활동하며 도시 흑인 남성의 강인함, 인간적인 고뇌, 사회적 인식을 담은 현실적인 가사와 사운드를 선보였다.
헤비 메탈은 1970년대와 1980년대에 주로 백인 뮤지션들이 주도하는 장르였지만, 몇몇 주목할 만한 흑인 아티스트들의 활동도 있었다. 1988년, 모든 멤버가 흑인으로 구성된 헤비 메탈 밴드 리빙 컬러는 데뷔 앨범 ''Vivid''가 빌보드 200 차트 6위에 오르고, 싱글 "Cult of Personality"가 톱 20 히트를 기록하며 주류 시장에서 큰 성공을 거두었다. 특히 리빙 컬러의 음악은 미국 사회에 만연한 유럽 중심주의와 인종차별을 정면으로 비판하는 가사를 담고 있어 사회적으로도 큰 반향을 일으켰다. 1990년대에 들어서면서 레니 크라비츠, Body Count, 벤 하퍼 등 더 많은 흑인 아티스트들이 록 음악계에서 두각을 나타내기 시작했다.
3. 5. 1990년대 ~ 현재: 컨템포러리 R&B, 네오 소울, 그리고 힙합의 지속적인 발전
1980년대 후반 골든 에이지 힙합이 번성하며 Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, 퀸 라티파, 빅 대디 케인, Salt-N-Pepa와 같은 아티스트들이 등장했다. 힙합은 미국 전역에서 인기를 얻었으며 1990년대 후반에는 세계적인 현상이 되었다. 골든 에이지 시대는 1990년대 초 갱스터 랩과 G-펑크가 주도하면서 막을 내렸다. 이 시기에는 서부 해안의 닥터 드레, 스눕 독, 워렌 G, 아이스 큐브와 같은 아티스트들과 동부 해안의 노토리어스 B.I.G., 우탱 클랜, Mobb Deep 등이 등장하며 도시 흑인 남성의 삶과 고뇌, 사회적 인식을 담은 음악을 선보였다.
1990년대에는 헤비 메탈 음악에서도 흑인 아티스트들의 활동이 두드러졌다. 1980년대 후반 리빙 컬러의 성공 이후, 10년 뒤 레니 크라비츠, Body Count, 벤 하퍼와 같은 흑인 아티스트들이 다시 록 음악을 연주하기 시작했다.
컨템포러리 R&B는 1980년대와 1990년대 내내 인기를 유지했다. The Temptations와 The O'Jays 같은 기존 그룹과 더불어 뉴 에디션, 보이즈 투 멘, 조데시, 드루 힐, Blackstreet, Jagged Edge와 같은 남성 보컬 그룹들이 큰 인기를 얻었다. TLC, 데스티니스 차일드, SWV, En Vogue를 포함한 여성 그룹들도 매우 성공적이었다.[68]
R. 켈리, 머라이어 캐리, 몬텔 조던, D'Angelo, 알리야, 토니! 토니! 토네!의 라파엘 사딕과 같은 싱어송라이터들도 1990년대에 큰 인기를 누렸다. 메리 J. 블라이즈, 페이스 에반스, BLACKstreet는 힙합 소울이라는 퓨전 스타일을 대중화했다. 1990년대 후반과 2000년대 초반에는 고전 소울 음악의 영향을 받은 네오 소울 운동이 일어났다. 이 운동은 D'Angelo, 에리카 바두, 맥스웰, 로린 힐, 인디아.아리, 앨리샤 키스, 질 스콧, 앤지 스톤, 빌랄, Musiq Soulchild와 같은 아티스트들을 통해 대중화되었다. D'Angelo의 2000년 앨범 ''Voodoo''는 비평가들의 찬사를 받으며 "흑인 음악이 갈림길에 서 있음을 보여준다... 단순히 네오클래식 소울이라고 부르는 것은 보드빌 재즈, 멤피스 혼, 래그타임 블루스, 펑크와 베이스 그루브, 힙합 요소들을 무시하는 것"이라는 평가를 받기도 했다.[69] 한편, 마이클 맥도날드, 크리스티나 아길레라, 에이미 와인하우스, 로빈 시크, 마이클 볼튼, 존 B., 리사 스탠스필드, 티나 마리, 저스틴 팀버레이크, 조스 스톤, 조지 마이클, 아나스타샤 등 백인 아티스트들이 연주하는 소울 음악인 블루 아이드 소울도 존재했다. 이 스타일은 주로 백인 음악가들이 연주하며, 중독성 있는 후크와 멜로디가 특징이다. 데이비드 보위의 ''Young Americans'' 앨범은 블루 아이드 소울에 대한 중요한 기여로 평가받는다.[70]
21세기 초에는 지하 서클에서 아프로펑크 운동이 주목받기 시작했는데, 이는 2003년 개봉된 동명의 다큐멘터리의 영향이 컸다.[71] 이 운동은 매년 축제를 개최하며[72] 1970년대부터 시작된 펑크 록에서 흑인들의 역할에 대한 관심을 높이는 데 기여했다.
힙합과 R&B에서 싱어송라이터의 영향력이 커지는 동시에, 랩 음악을 통한 창의적 표현도 증가했다. 투팍, The Notorious B.I.G., N.W.A, 릴 킴, 스눕 독, Nas 등이 음악 산업에서 두각을 나타냈다. 1990년대 랩은 갱스터 랩, 의식 있는 랩, 팝 랩 등 다양한 하위 장르를 선보였다.[73] 특히 갱스터 랩은 갱 폭력, 마약 거래, 빈곤 등의 현실을 다루었으며[73], 동부 해안-서부 해안 힙합 경쟁에서 중요한 역할을 했다. 이 경쟁의 주요 인물로는 서부 해안의 투팍과 수지 나이트, 동부 해안의 The Notorious B.I.G.와 디디가 있었다.
힙합은 흑인들이 만들고 주도하는 장르로 남아있지만, 초기에는 미국 흑인으로서 겪는 어려움을 주로 다루었다. 그러나 백인 소유 음반사들이 힙합 마케팅을 통제하면서, 백인 청중에게 맞춰 가사와 문화가 변화하는 경향이 나타났다. 학자들과 흑인 힙합 제작자들은 이러한 변화를 인지했으며, 힙합이 자동차, 휴대폰 등 상품 판매에 이용되는 현상도 지적되었다.[74][75]
힙합 운동은 음악 산업의 통제 속에서 점점 더 주류화되었다. "'래퍼스 딜라이트'가 플래티넘을 기록한 순간부터 힙합이라는 민속 문화는 힙합이라는 미국 엔터테인먼트 산업의 부차적인 쇼가 되었다"는 지적도 있다.[76]
2000년대 초반에는 50 Cent가 가장 인기 있는 흑인 아티스트 중 한 명으로 부상했다. 그의 2005년 앨범 ''The massacre''는 발매 첫 주에 100만 장 이상 판매되었다. 2008년에는 릴 웨인의 앨범 ''Tha Carter III'' 역시 첫 주에 100만 장 이상 판매되는 기록을 세웠다.[77]
2009년 마이클 잭슨의 갑작스러운 사망 이후, 그의 유산은 1년 이내에 14억달러의 수익을 창출했다. 잭슨의 예정되었던 ''This Is It'' 투어 리허설 영상을 담은 다큐멘터리 ''마이클 잭슨의 디스 이즈 잇''은 2009년 10월 28일에 개봉되어 역대 가장 높은 수익을 올린 콘서트 영화가 되었다.[78]
2013년에는 아프리카계 미국인 음악가가 빌보드 핫 100 차트 1위를 차지하지 못하는 이례적인 일이 발생했다. 이는 차트 역사 55년 만에 처음 있는 일이었다.[79] J. 콜, 비욘세, 제이 지, 그리고 캐나다 국적의 드레이크는 그 해 가장 많이 팔린 음악가에 속했지만, 1위를 기록하지 못해 많은 논쟁을 불러일으켰다.[80]
2010년대에는 흑인 저항 음악이 주류 음악계에서 다시 부상했다.[81] 비욘세, 그녀의 여동생 솔란지, 칸예 웨스트, 프랭크 오션 등이 흑인 저항을 주제로 한 앨범을 발표했다. 비욘세는 2016년 첫 "흑인 저항" 앨범으로 평가받는 ''Lemonade''를 발표했으며, 이 앨범은 Black Lives Matter 운동에 헌정되었다.[82] 2020년, 비욘세는 조지 플로이드 사망 사건 이후 준틴스에 맞춰 "Black Parade"를 발표했다.[83] 켄드릭 라마, J. 콜, The Game, 자넬 모네, D’Angelo and the Vanguard 등 다른 아티스트들도 Black Lives Matter 운동과 관련된 음악을 발표하며 사회적 메시지를 전달했다.[84]
4. 주요 장르
강한 비트감과 그루브감이 특징이다. 블루스[110], 가스펠[111], 소울[112], R&B[113], 재즈[114], 펑크[115], 힙합[116] 등 현재 세계적으로 다양한 형태로 전개되는 장르를 낳았다. 또한 팝과 록, 컨트리 등에도 영향을 주어 20세기에 탄생한 많은 대중음악의 근원이 되었다[117].
크게 흑인 영가나 가스펠 등의 종교 음악(sacred music)과 노예제 시대의 플랜테이션 송(work song)[118]에서 현대 힙합까지 이어지는 세속 음악(secular music)으로 나눌 수 있다. 하지만 이는 편의적인 분류일 뿐, 실제로는 모든 블랙 뮤직이 서로 호응하며 콜 앤드 리스폰스처럼 경계 없이 이어져 있다.
5. 문화적 영향
아프리카, 유럽, 아메리카 원주민 문화 요소가 융합되어 탄생한 흑인 음악은 미국의 독특한 문화 현상으로 평가받는다.[85] 특히 짐 크로우 법 시대와 시민권 운동 시대에 만들어진 음악은 인종 차별에 맞서 싸우는 과정에서 중요한 역할을 했다. 이 음악들은 "인종 정의와 평등을 위한 운동에 감동적인 음악으로 뒷받침하여" "남부 시민권 운동의 열정과 목적 의식을 일깨웠다".[86] 미국 전역의 아프리카계 미국인들은 행진, 집회, 교회, 심지어 감옥에서도 함께 노래하며 "자유 투쟁의 도덕적 긴급성을 전달"했고, 음악은 시민권을 위해 싸우는 이들의 정신과 마음에 용기를 북돋는 역할을 했다.[86] 포크 음악가이자 운동가인 가이 캐러원은 시민권 운동을 "미국 역사상 가장 위대한 노래 운동"이라고 평가했다.[87]
"우리 모두 이겨내리라(We Shall Overcome)"는 시민권 운동의 상징적인 노래로 널리 알려져 있다. 이 노래는 19세기 찬송가에서 유래했으며, 1945년부터 1946년까지 사우스캐롤라이나주 찰스턴에서 미국 담배 회사를 상대로 벌어진 노동 파업에서 시위 노동가로 불렸다.[87][88] 1946년, 테네시주 담배 농장 피켓 라인에서 질피아 호튼(Zilhpia Horton)이 이 노래를 듣게 되었는데, 당시 노동자였던 루실 시몬스(Lucille Simmons)가 원래 가사인 "I Will Overcome"을 "We Will Overcome"으로 바꿔 부르면서 공동체적 연대의 의미를 더했다.[87]
1947년, 호튼은 몇 구절을 추가하여 포크 가수 피트 시거(Pete Seeger)에게 가르쳤고,[87] 시거는 가사를 "We will"에서 "We shall"로 수정했다.[88] 1960년 4월, 노스캐롤라이나주 롤리에서 열린 학생 비폭력 조정 위원회(SNCC) 창립 회의에서 가이 카라반(Guy Carawan)이 이 새로운 버전을 부르면서 노래는 시민권 운동 전반으로 빠르게 퍼져나갔다.[87] 시거, 카라반, 프랭크 해밀턴은 이 노래가 상업적으로 이용되는 것을 막기 위해 저작권을 등록했다.[87]
"우리 모두 이겨내리라(We Shall Overcome)"는 시민권 운동이 지지와 동력을 얻으면서 더욱 널리 불렸다.[88] 시위자들은 권리를 요구하며 행진하는 동안, 경찰의 폭력과 구금 속에서도 이 노래를 함께 불렀다.[88] 이 노래를 비롯한 여러 시위 노래들은 시민권 운동의 사운드트랙이 되었다.[88] 그 영향력은 미국을 넘어 전 세계 자유 운동으로 확산되었다.[88] 인도에서는 "우리는 성공할 것이다(Hum Honge Kaamyab)"라는 제목으로 번안되어 많은 학생이 부르는 노래가 되었다.[88]
할렘 문화 축제는 1969년 여름, 뉴욕 시 마커스 가비 공원에서 열린 일련의 음악 콘서트로, "흑인 음악과 문화를 기념하고 흑인 자긍심의 지속적인 정치를 장려"하는 중요한 행사였다.[89] 1969년 6월 29일부터 8월 24일까지 매주 일요일 오후, 수만 명의 관객 앞에서 스티비 원더, 니나 시몬, B.B. 킹, 슬라이 앤 더 패밀리 스톤, 제5 디멘션, 글래디스 나이트 & 더 핍스, 마할리아 잭슨 등 당대 최고의 흑인 아티스트들이 공연을 펼쳤다.[89]
흑인 음악은 강한 비트감과 그루브를 특징으로 한다. 블루스[110], 가스펠[111], 소울[112], R&B[113], 재즈[114], 펑크[115], 힙합[116] 등 세계적으로 사랑받는 다양한 장르를 탄생시켰으며, 팝, 록, 컨트리 등 다른 장르에도 큰 영향을 미쳐 20세기 대중음악 발전의 중요한 토대가 되었다.[117]
흑인 음악은 크게 흑인 영가나 가스펠 같은 종교 음악(sacred music)과 노예제 시대의 플랜테이션 송`(work song)`[118]에서 현대 힙합까지 이어지는 세속 음악(secular music)의 두 가지로 분류할 수 있다. 하지만 이는 편의상의 구분일 뿐, 실제로는 두 흐름이 서로 영향을 주고받으며 콜 앤드 리스폰스처럼 경계 없이 이어져 왔다.
6. 경제적 영향
음반점은 수십 년 동안 아프리카계 미국인 사회에서 중요한 역할을 수행했다. 특히 1960년대와 1970년대에는 미국 남부 지역에만 500개에서 1,000개에 달하는 흑인 소유 음반점이 운영되었으며, 미국 전체적으로는 그 수가 두 배에 달했을 것으로 추정된다. 인종 차별 철폐 과정에서 많은 흑인 소유 사업체들이 어려움을 겪던 시기에, 아프리카계 미국인 기업가들은 음반점을 경제적 자립을 위한 핵심적인 기반이자 흑인 소비자들이 교류할 수 있는 중요한 공공 공간으로 여겼다.[90]
노먼 켈리는 그의 저서 ''흑인 음악의 정치 경제''에서 흑인 음악이 120억달러 규모의 음악 산업과 신식민지적 관계를 맺고 있으며, 이 산업은 주로 6개의 대형 음반 회사에 의해 주도된다고 분석했다.
음악 산업 내에서 아프리카계 미국인들은 단순히 소비자에 머무르지 않고, 음악 공연자, 클럽 소유주, 라디오 DJ, 콘서트 기획자, 음반 회사 소유주 등 다양한 분야에서 활동하며 경제 주체로서 역할을 해왔다. 또한, 흑인 음악은 그 자체의 경제적 가치를 넘어 다른 산업에도 영향을 미쳤다. 코카콜라, Nike, Pepsi와 같은 여러 기업들은 자사 제품 광고에 아프리카계 미국 음악을 적극적으로 활용하며 그 대중적 인기와 영향력을 이용해 왔다.[91]
7. 국제적 영향
재즈와 힙합은 아프리카와 아시아로 전파되어 현지 음악 장르에 영향을 미쳤다.[92] 많은 사람들은 흑인 음악이 없었다면 미국 음악도 없었을 것이라고 주장하며[93], 아프리카인들이 미국으로 가져온 노래가 미국 음악의 기초를 만들었다고 본다.[93] 흑인 음악 특유의 질감, 속어, 그리고 흑인 영어는 미국 대중문화뿐 아니라 세계 문화 전반에 영향을 미쳤으며, 힙합 비디오 속 패션이나 흑인들의 말투는 미국 및 세계 시장에서 모방의 대상이 되기도 한다.[94][95] 호주의 백인 래퍼 이기 아잘리아나 캐나다의 백인 가수 저스틴 비버처럼 흑인 음악과 문화를 차용하거나 영향을 받았다고 인정하는 비흑인 아티스트들도 있다.[96][97]
아프로비트는 나이지리아 출신의 음악가 펠라 쿠티가 창시한 장르이다. 이는 20세기 초 나이지리아에서 시작된 하이라이프, 요루바 음악, 재즈의 결합에 뿌리를 둔다.[98] 특히 제1차 세계 대전과 제2차 세계 대전 사이의 기간(1918–1939)은 범서아프리카 도시 음악 전통이 형성되는 데 중요한 시기였다.[99] 펠라 쿠티는 전통 서아프리카 음악에 재즈, R&B, 펑크 등 아프리카계 미국 음악 요소들을 융합하여 아프로비트를 만들었다.[100] 제임스 브라운의 펑크 음악, 춤 스타일, 드럼 연주 역시 아프로비트에 영향을 주었다.[101] 1969년 미국 투어 중 아프리카계 미국인들의 정치 활동과 말콤 엑스의 사상에 영감을 받은 쿠티는 자신의 음악에 아프리카와 나이지리아의 정치적 문제에 대한 메시지를 담기 시작했다.[102] 한편, 오늘날 아프리카 전역에서 인기 있는 음악을 포괄적으로 지칭하는 "아프로비츠"는 펠라 쿠티의 아프로비트와는 구별된다. 아프로비츠는 주로 경쾌하고 디지털 방식으로 제작되며, 영어, 서아프리카 언어, 피진 등으로 노래한다. 정치적 내용과 오케스트라 스타일이 특징인 쿠티의 음악과 달리, 아프로비츠는 R&B나 힙합처럼 사랑, 섹스, 돈, 명성 등 다양한 주제를 다룬다.[103]
힙합은 1990년대 한국에 유입되어 한국 힙합과 케이팝 음악의 발전에 영향을 주었다.[104] 그러나 이 과정에서 일부 한국 아티스트들이 아프리카계 미국인의 언어 사용 방식이나 흑인 문화의 다른 요소들을 차용하면서 문화적 전유 및 인종차별 논란이 발생하기도 했다.[105][106] 예를 들어, 걸그룹 마마무가 공연 중 얼굴을 검게 칠하는 '블랙페이스' 분장을 한 사례가 있었으며, 일부 아티스트들은 소위 "흑인 억양"을 사용하거나 흑인 특유의 헤어스타일을 따라 하기도 했다. 래퍼 지코는 자신의 음악에 인종 비하적 표현(n-word)을 사용하고 스스로 "흑인 소울"을 가졌다고 주장하여 비판을 받았다.[107] 2020년 가디언지의 보도에 따르면, 케이팝 산업 내에서 블랙페이스 분장, 인종 비하 발언, 흑인 문화 및 헤어스타일의 피상적인 차용 등이 여전히 나타나고 있으며, 이는 해당 문화의 아프리카계 미국인 뿌리에 대한 이해나 존중 없이 이루어지는 경우가 많다는 지적이 있다.[108][107] 또한, 많은 케이팝 아티스트들이 아프리카계 미국인의 사회 정의 문제에 대해 침묵하거나 소극적인 태도를 보인다는 비판도 제기되었다. 이에 해외 팬들을 중심으로 케이팝 산업이 인종 문제에 대해 더욱 민감하고 세계적인 시각을 갖추기를 요구하는 목소리가 커지고 있다.[108] 다만, 한국어의 특정 표현, 예를 들어 '~때문에'를 뜻하는 '니까'나 2인칭 대명사 '너'에 조사가 붙은 '니가' 등이 영어의 인종 비하 발언처럼 들릴 수 있어 오해를 낳는 경우도 있다.[109]
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